(Imagens: divulgação/Universal Pictures)

Já em seu terceiro filme, Jordan Peele se consagrou definitivamente como um dos principais diretores de sua geração em Hollywood. Depois do clássico “Corra!” e do inquietante “Nós“, o cineasta está de volta aos cinemas com “Não! Não Olhe!“, talvez um dos filmes mais surpreendentes da temporada.

Em entrevista exclusiva cedida ao Cinema Com Rapadura pela Universal Pictures, Peele fala sobre suas inspirações para compor um filme tão surpreendente como este.

Leia a entrevista abaixo.

Seus filmes são tão únicos e diferentes de tudo que se vê hoje em dia. Qual foi a gênese de “Não, Não Olhe!”?

É difícil falar sobre a gênese sem revelar nada, mas senti que havia esse vácuo de um filme que eu gostaria que existisse, mas também que não existia – que era o grande filme de terror sobre discos voadores. De certa forma, senti que tinha a responsabilidade de assumir isso. Então, a ideia, o conceito e o enredo começaram a partir daí.

Qual foi sua principal inspiração para escrevê-lo?

O sentimento de humanidade, como todos os meus filmes, aliada ao sentimento de desamparo existencial. Então eu mirei nessa ideia de espetáculo, para trazer as pessoas aos cinemas e ajudar a revigorar seu amor pela experiência cinematográfica, e ao mesmo tempo me perguntei por que somos obcecados pelo espetáculo. Por que a condição humana é tal que temos esse vício em testemunhar a magia, seja ela bela ou horrível?

No centro da história há uma relação entre dois irmãos que são muito diferentes, mas têm um vínculo especial, certo?

Sim, é uma história sobre o lar e dois irmãos – OJ (Daniel Kaluuya) e Emerald Haywood (Keke Palmer) – que têm uma conexão e um vínculo a serem redescobertos durante o filme. Eu acho que eles representam duas metades que a maioria de nós tem em nós. Há uma parte de mim que é Emerald, querendo estar lá fora recebendo risadas e avaliações, e outra parte que é OJ, socialmente nervosa e desconfortável. Sou filho único, mas sou fascinado pelo relacionamento entre irmãos porque é baseado em um tipo de lealdade genética primordial, com algo especial por baixo. Não importa o quanto eles possam ir na garganta um do outro ou o quanto sua existência é definida por serem diferentes um do outro, eles acabarão se apoiando no final. Então, eu queria contar uma história sobre isso porque é algo que sempre me traz muito coração, alegria e melancolia.

E o que dois atores do calibre de Daniel Kaluuya – com quem você já trabalhou em “Corra!” – e Keke Palmer trouxeram para esses papéis?

Eles são artistas tão diferentes com origens tão diferentes, e ambos encarnaram seus personagens de forma tão maravilhosa. Esses são personagens que atuam como contrastes um com o outro, e assim que reunimos esses atores, você podia vê-los começando a se tornar Emerald e OJ e quão real era esse relacionamento. Chegou ao ponto em que eu não precisava falar muito com eles ou dizer como eles se sentiam um pelo outro, porque eles sabiam. Daniel Kaluuya e Keke Palmer se complementam muito e, em essência, fizeram os personagens um do outro. Então, as cenas em que eles estão juntos são mágicas, e seu vínculo é real.

Como Daniel reagiu quando você disse a ele que passaria grande parte do filme em um cavalo?

De início, não muito bom, mas devo dizer que nunca vi um ator trabalhar tanto quanto ele para dominar as habilidades de se andar a cavalo. É simplesmente maravilhoso observar o processo dele, porque desde o primeiro dia que o conheci em “Corra!” e disse a ele que precisava dele para acertar o sotaque, ele tem sido impecável. Então neste filme ele disse que da próxima vez que eu o visse ele seria um cavaleiro, e basicamente foi isso que aconteceu.

E você também tem personagens coadjuvantes ricos e complexos que adicionam muito ao filme.

Eu me inspiro em diretores como Paul Thomas Anderson, Robert Altman e Quentin Tarantino, porque eles valorizam muito todos os personagem. Fui abençoado por preencher os papéis coadjuvantes com grandes talentos.

O filme também é épico em escala e visualmente impressionante.

Meu diretor de fotografia, Hoyte van Hoytema, foi um prazer absoluto de trabalhar e é um verdadeiro gênio. Acredito que ele é o único diretor de fotografia que poderia ter preparado o terreno – tanto artística quanto tecnicamente – para alcançar algumas das coisas que conseguimos neste filme. Fizemos algumas coisas com câmeras de grande formato e IMAX que nunca vi serem feitas. O coração e a alma do filme é capturar o impossível na câmera. Quando perguntei a Hoyte o que ele usaria se tivesse que filmar um disco voador para a posteridade, ele disse que usaria uma câmera IMAX, só por causa da resolução.

Como você explicaria sua relação com o simbolismo?

Minha relação com o simbolismo em meus filmes cresceu e se tornou um pouco mais orgânica, em relação a como os símbolos se manifestam e o que eles significam. Durante um processo, você encontra conexões nas coisas, e muito de contar uma história e fazer um filme começa com algo que você não conhece e tenta entender o que você está tentando dizer a si mesmo. Então, você não pode decidir quais são os símbolos, mas sim deixá-los mostrar o que são.

O uso de cartões de identificação na narrativa é bastante original e fascinante também.

Sem aprofundar muito no que se trata, acho que “Não! Não Olhe!” se estruturalmente parece diferente de outros filmes, e há desvios da narrativa tradicional. Eu sinto que os cartões de identificação ajudaram o público a saber como assistir ao filme e entender que esse não seria o estilo mais direto de narrativa, em um filme em que você teria que prestar atenção de uma maneira diferente.

“Não! Não Olhe!” transcende e reimagina gêneros, a ponto de ser impossível colocá-los em uma caixa. Quão importante é isso para você?

Eu amo isso! Eu tenho tentado identificar caixas e quebrá-las ao longo de toda a minha carreira, e parte disso tem a ver com me sentir encaixotado. Além disso, quando você tem uma caixa, você tem um truque de mágica esperando para acontecer e um público esperando ser surpreendido; então, se você puder encontrar uma caixa, abra-a!

Filmes de terror e gênero existem e fazem sucesso desde os primórdios do cinema. Por que você acha que isso ocorre?

Porque eu acho que eles são tudo. Cinema é uma das maneiras de lidarmos com nossos medos, que enfrentamos como seres humanos. E eu realmente acredito que qualquer coisa que reprimimos por tempo suficiente, não desaparece. Na verdade, pode voltar de maneiras piores. Então, há algo em se reunir com um monte de pessoas para enfrentar esses medos em um ambiente seguro que ajude nosso corpo a liberá-los e não segurá-los. É por isso que esses filmes funcionam.

Em relação ao escopo, este é o seu maior filme até hoje. Que lições você aprendeu ao fazê-lo?

Muitas! Em termos de alcance, diria apenas que não há nada inatingível. Isso é algo que eu diria a mim mesmo e a qualquer um tentando fazer um filme. Qualquer coisa é alcançável neste meio se você se concentrar na colaboração. Se você encontrar a equipe certa, trabalhar e resolver problemas juntos, poderá criar as maiores ilusões. Desde “King Kong”, quando eles não tinham nenhuma das ferramentas que temos agora, era tudo uma questão de inovação. Então, tratava-se de colocar a mim e a equipe à prova e ver até onde poderíamos ir. E agora sinto que podemos continuar a ir mais longe.

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