(Imagem: divulgação/Universal Pictures)

A mente de David Bowie foi certamente uma das mais geniais e, ao mesmo tempo, caóticas da cultura do século 20. Ele transformou a forma com que escutamos e consumimos música, desafiou padrões artísticos e sociais e marcou época como um dos grandes nomes do rock. Levar isso às telas não foi fácil, mas o diretor Brett Morgen o fez em “Moonage Daydream“, documentário sobre Bowie que já está em cartaz nos cinemas brasileiros.

Para tanto, Morgen contou com a ajuda de Paul Massey, experiente engenheiro de som que já trabalhou em filmes como “Bohemian Rhapsody” (pelo qual conquistou um Oscar) e diversos outros projetos relacionados a música nos cinemas, como “Michael Jackson’s This Is It“, “One Direction: This Is Us” e o musical “O Rei do Show“. Em “Moonage Daydream”, ele fez uso de toda sua experiência cinematográfica, e o resultado é uma viagem sonora pela música de David Bowie.

Em entrevista exclusiva cedida ao Cinema Com Rapadura pela Universal Pictures, Massey fala sobre o desafio de conciliar a música do gênio que era Bowie com a visão artística de Morgen.

Leia a entrevista abaixo:

Como você se envolveu com “Moonage Daydream”?

Recebi uma ligação inesperada de Brett [Morgen]. Ele aparentemente havia feito alguns testes em IMAX com a trilha sonora e não estava feliz com a maneira como ela soava. E alguém na sede da IMAX sugeriu que ele ouvisse um pouco de “Bohemian Rhapsody” [o filme], e ele fez isso. E então ele perguntou quem o mixou e eu acabei recebendo uma ligação inesperada de Brett, e ele disse o que estava fazendo com “Moonage Daydream”. Era cedo e eu tive a sorte de ser contratado.

E quais foram os principais desafios para você?

Misturar toda a música das multitracks originais. A que esse foi o maior desafio que eu tinha em mente, só porque são músicas tão icônicas, e eu não queria incomodar o público fazendo mixagens que eram muito do que eles estavam acostumados. Mas eu queria tentar aprimorá-las, colocá-las em um ambiente teatral e usar o espaço de maneira muito mais eficaz do que um aparelho de duas faixas poderia fazer, um estéreo. Então eu acho que havia uma grande responsabilidade: não estragar tudo e tentar criar definição em músicas onde as pessoas talvez não soubessem que isso existia.

Se alguém te pedisse para descrever “Moonage Daydream”, o que você diria?

Eu diria que não é um documentário. Diria que é definitivamente um longa-metragem. E mesmo como longa-metragem, é mais uma experiência, o que parece um pouco brega de se dizer, mas é um retrato de David [Bowie] do ponto de vista dele, e Brett o tempo todo queria que isso fosse experienciado de uma maneira muito, muito imersiva. Não apenas visualmente, mas também em termos de som. Ele queria que fosse como um passeio em um parque temático para som, e som para levar o filme a muitos, muitos lugares sem que o visual realmente determinasse qual seria esse som. Então é mais uma experiência da vida de David, contada por ele.

O que David Bowie era para você durante o seu crescimento?

Eu era um adolescente na década de 1970, em Londres, e todo mundo que eu conhecia era fã de Bowie porque ele era tão único, e, de certa forma, um tanto estranho, e forçava a barra. Sua música estava em toda parte, é claro, sua moda. E ele era um símbolo muito, muito grande na cultura da época. E eu me lembro de gostar muito da abordagem nova que ele parecia ter com a música, que era grande na época. Então essa foi minha experiência inicial com ele. Eu não era um super fã. Eu não sabia tudo sobre ele. Mas ele foi uma grande parte da música durante a minha adolescência e além.

Você trabalhou com bandas como Yes e Supertramp no início, e depois em filmes sobre Michael Jackson e One Direction. Como isso contribuiu para o seu trabalho aqui?

Comecei minha carreira como engenheiro de gravação em estúdios, gravando e mixando músicas. E então eu peguei a estrada com algumas dessas bandas que estavam fazendo turnês em estádios, que eu realmente gostei de gravar. Eu estava em um caminhão gravando suas performances ao vivo e não percebi na época quanta experiência isso trouxe para mim em meus futuros empreendimentos na mixagem de filmes. Mas isso me deu um maior apreço por microfonar o público, como é um estádio, as dificuldades de microfonar e gravar uma banda ao vivo em um estádio diferente a cada noite. E esse treinamento eu consegui trazer para filmes como “This Is It” [sobre Michael Jackson] e “Bohemian Rhapsody” e “Moonage Daydream”. E isso certamente me permitiu ficar muito, muito confortável mixando multitracks e 24 faixas de nossas gravações originais em um produto final. Então é um gênero ou filme que eu mais gosto para ser honesto. E acho que é onde sinto que tenho mais a contribuir.

“Bohemian Rhapsody“, especificamente, teve alguma influência real neste filme e na forma com que você o abordou?

Sim, com certeza. Logo no início, Brett me perguntou quem deveria ser o supervisor de som do filme e quem deveria ser a equipe. E eu disse Dave Giammarco, como meu mixer de efeitos sonoros, com quem trabalhei por muitos e muitos anos. E então John Warhurst e Nina Hartstone no Reino Unido, que também foram os supervisores de som de “Bohemian Rhapsody“. E eles são extremamente bons em conseguir material adicional de público e cantando junto e inserir a música nas arenas e estádios, que foi uma parte muito importante do som de “Bohemian Rhapsody“, e uma parte muito importante das apresentações ao vivo aqui em “Moonage Daydream”. Então eles se tornaram muito versados em como coletar esses sons e como microfoná-los, como ir a diferentes estádios e obter o som que eu realmente preciso usar como reverberações naturais, essencialmente. Então eu diria que foi muito, muito influente em como eu abordei o lado musical disso.

Quais foram as conversas iniciais que você teve com Brett sobre o contexto sonoro do filme?

Bem, acho que o principal comentário de Brett para mim sempre foi torná-lo muito, muito imersivo, e tentar superar os limites do que eu estava acostumado e essencialmente mixar para cada formato, seja IMAX, 12.0, 5.0 , Dolby Atmos 7.1, 5.1 teatral. E uma coisa que aprendi ao longo do projeto… Eu estabeleci esses limites para lançamentos teatrais tradicionais. Para não ser muito estranho no Dolby Atmos, para que ele se traduza em 7.1, 5.1 e streaming doméstico, de uma maneira melhor. E eu estabeleci esses limites em um parâmetro que eu não tinha percebido que tinha feito, para ser honesto, e isso me puxou para fora. Porque Brett disse: ‘Quero que voe atrás de mim, quero que esse panorama seja louco e caótico.’ E eu disse: ‘Bem, não acho que devemos fazer isso.’ E eu lutei com ele por um bom tempo, em silêncio! Mas cheguei a um dia em que percebi: ‘Bem, por que não, mesmo?’ Quero dizer, ele realmente queria aquela imersão… Ele queria que a experiência de objetos voadores e panorâmicas loucas fizessem parte da trilha sonora. E isso me ensinou uma lição muito boa, para ser honesto, algo que vou levar adiante em projetos futuros.

Como foi descobrir as raridades nos arquivos pessoais de Bowie?

Bem, em uma palavra: incrível. Eu acho que o público vai sentir que eles têm um pequeno vislumbre por trás da cortina em alguns dos pensamentos mais íntimos de David e sua vida, e não é feito de uma maneira ‘eu não deveria estar aqui’, de maneira trapaceira. Todo o filme é falado do ponto de vista de David, do jeito que Brett o colocou. E isso nos leva ao que David estava sentindo durante diferentes partes de sua carreira, sejam partes de sucesso ou onde ele estava ficando entediado com um determinado gênero e queria seguir em frente e criar algo diferente. Entendemos o ponto de vista de David e de seu diálogo, o que ele estava sentindo na época, e acho que isso será muito revigorante para grande parte do público assistir, entender e levar para si.

Como você acha que os fãs mais devotos vão reagir?

Bem, obviamente, espero que positivamente, mas sinto que aqueles que são fãs hardcore ainda verão cenas que nunca viram antes. E acredito que a maioria das pessoas verá entrevistas e ouvirá narrações de David que nunca ouviram antes. E acho que apenas o estilo do filme… Definitivamente não é um tipo cronológico de documentário em preto e branco. É muito liberal na forma como faz a transição de seção para seção. E todo o filme, em termos de trilha sonora, para mim parece uma grande dissolução desde o momento em que começa até o momento em que termina. Nunca há um momento em que não haja algum tipo de música tocando e design de som, integrado à música, para soar quase como uma partitura. E é muito livre, porque às vezes o som não é literalmente o que você está vendo na tela. Você ouvirá helicópteros, sirenes e coisas completamente dissociadas do que estamos vendo visualmente. É uma trilha de design de som muito complexa que está tocando por baixo, música entrando e saindo. Então, acho que as pessoas ficarão um pouco surpresas que não seja uma cronologia literal da vida de David ou de sua música. Mas há uma visão de áreas que eu acho que muitas pessoas não viram, provavelmente a maioria das pessoas não viu. Quero dizer, a filmagem inédita é bastante notável de se entrar e é um verdadeiro privilégio fazer parte disso.

Quão complicado foi fazer cortes de uma versão de uma faixa para outra?

Muito complexo. Temos muitas multitracks para todas essas gravações diferentes de diferentes períodos. Mas todas gravadas em estilos diferentes, e depois houve momentos em que tivemos que recorrer a diálogos de entrevistas de TV dos anos 1970 que não soavam bem e a música teve que se adaptar, não dominar, àquelas faixas de áudio de qualidade inferior que tivemos que apresentar. E muitas dessas transições não eram tradicionais de forma alguma. Quero dizer, do jeito que Brett montou tudo, ele fez um verdadeiro mash-up de muitas músicas que não necessariamente, à primeira vista, combinam, mas funcionam no contexto deste filme. E você ouvirá vocais de fundo de uma música diferente embaixo de uma cena… Então a dificuldade e a complexidade surgiram de misturar todos esses sons de diferentes períodos de tempo em que as mixagens mudaram. E também tentar forçar esses sons diferentes que não necessariamente combinam em algo que se entrelaça e funciona no contexto do filme.

Há alguma sequência em particular da qual você se orgulhe bastante?

Sim. David está descrevendo o tempo que passou em Los Angeles, que é uma cidade que ele meio que se forçou a ir e não queria particularmente, e estamos na parte de trás de uma limusine. Ele está apenas falando com a câmera. E então, de repente, entramos em uma Harley Davidson louca, rugindo, Diamond Dogs tocando, pessoas quebrando janelas, tumultos acontecendo. E essa sequência levou muito tempo para ser montada, era muito complexa, com sons que, novamente, não se relacionavam necessariamente com o que estamos vendo na tela. Mas o caos e a atmosfera de tumulto era algo que Brett queria retratar. Então acho que deu muito certo. Também estou muito feliz com a sequência que leva a – e a filmagem do show, também – Let’s Dance. Eu acho isso muito impactante e emocionante. Estamos com fãs que estão apenas gritando e amando David fora do estádio, e entramos e está cheio, ele se divertindo muito com o público. E eu acho que Heroes é uma com a qual eu realmente lutei. Mas eu acho que isso acabou muito, muito bem, também.

Você chegou a assistir algum outro documentário sobre Bowie? Como o filme do show “Ziggy Stardust”?

Não, não assisti. E foi meio que de propósito, para ser honesto, porque isso me pareceu tão diferente de qualquer outra coisa que eu já mixei em qualquer gênero, para ser honesto. E também, eu realmente não queria ser influenciado por algo que outra pessoa havia feito. E então eu meio que quis apenas reagir ao que eu estava vendo de Brett, enquanto ele montava o corte. Muitas vezes, mesmo em longas-metragens tradicionais, não leio o roteiro porque me dá uma noção diferente do que esse filme será e como devo abordá-lo. E então, quando eu realmente vir as imagens na minha frente, terei uma sensação completamente diferente. Então eu prefiro apenas reagir ao que estou vendo.

Como foi trabalhar com Brett?

Este projeto ainda estava evoluindo. Evoluiu em termos de corte antes de eu entrar com Dave Giammarco, na verdade. E o corte ainda estava evoluindo um pouco nos primeiros dias. Mas então, uma vez que entramos nos elementos de som, no design de som e em como integrar tudo, Brett estava constantemente cheio de ideias, o que é fantástico. Ele poderia abordar uma cena e dizer: ‘Aqui está minha lista de efeitos sonoros que eu quero. E aqui é onde eu quero que a música predomine.’ Eu não acho que ele sabia disso em muitas sequências antes de começarmos, e então quando começamos a juntar as camadas, essas coisas se tornaram evidentes para ele em sua mente. E então estávamos constantemente pedindo diferentes camadas de efeitos sonoros e diferentes elementos para trabalhar na música. E apenas evoluiu constantemente. Quer dizer, nós estávamos mixando, eu acho, por cerca de oito meses a um ano, mas não de forma sólida. Fazíamos quatro semanas e depois tínhamos conflitos de agenda e teríamos que voltar mais tarde. Mas isso foi realmente bom, porque significava que cada vez que voltávamos, poderíamos olhar para a visão geral do que havíamos feito e depois evoluir para outra coisa com novas ideias. Então, trabalhar com Brett foi apenas um conjunto constante de mudanças e as coisas estavam em fluxo e fluidez. Muitas vezes não sabíamos se um dia terminaríamos, para ser honesto. Mas nós eventualmente
chegamos a um ponto em que dissemos que estávamos prontos. Foi ótimo e era uma equipe muito pequena. John e Nina estavam no Reino Unido, e então Dave e eu com Brett no palco de mixagem, então se tornou uma família muito unida. Apenas cinco de nós.

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