(Imagens: Universal Pictures)

Em 2022, um filme dinamarquês tomou de assalto a cena do terror com uma história com premissa simples: a relação de amizade entre duas famílias, mas que acaba se provando mortal para uma delas.  Agora, a produtora Blumhouse lança sua versão de “Não Fale o Mal“, que chega aos cinemas brasileiros nesta quinta-feira (12) pela Universal. A nova versão traz uma história adaptada a temáticas recorrentes no cotidiano atual, tratando de temas sensíveis por trás do horror apresentado na telona. James Watkins, diretor e roteirista do remake, fala um pouco sobre o assunto em uma entrevista cedida ao Cinema Com Rapadura pela Universal com exclusividade.

Leia abaixo:

O que havia no filme dinamarquês original que o inspirou a escrever e dirigir ‘Não Fale o Mal’?

Eu simplesmente achei que era um filme incrivelmente bem feito e instigante. Eu amei a premissa da história: ‘dois casais se encontram em férias…’ É quase como a primeira frase em uma piada! Do ponto de vista do personagem, eu gostei da ideia de pessoas em férias questionando a direção de suas vidas e fazendo amizade com um casal que eles acham que pode ter as respostas. O filme realmente me fisgou com seu ‘horror social’ fundamentado: explorar como a sociedade moderna nos acorrenta com regras e como o horror no filme afeta nossas ansiedades sociais. Eu simplesmente achei que era um filme muito bem executado no qual eu poderia encontrar meu próprio caminho para adaptar.

Quais aspectos da história você mais se interessou em explorar?

Fiquei animado para explorar os horrores da vida cotidiana e da interação social. Você sabe, o mundo é um lugar complicado, e conforme você envelhece, você se faz perguntas como: “Quais são as regras? Estou jogando de acordo regras certas?” Então, brincar com essas questões e ansiedades era algo que eu acreditava que poderia ser divertido e fácil para o público de se identificar. Ao realocar a história para o Reino Unido e apresentar protagonistas americanos, vi uma maneira de torná-la mais pessoal para mim e trazer uma perspectiva cultural diferente. Acho que um casal americano reagiria de forma muito diferente de um dinamarquês! Eu queria explorar as escolhas e a forma com que eles, Ben e Louise, agem quando a barreira da polidez finalmente se rompe e o conflito explode. Quando as regras da sociedade se tornam regras de homem das cavernas, o que acontece? Na vida real, muito poucos de nós estamos equipados com como lidar com conflitos, com agressões abertas. Então, como as pessoas normais enfrentam essa situação anormal? Em que ponto nossas necessidades primárias superam os grilhões da sociedade? E, nesse caldeirão, eu queria que as noções de caráter que haviam sido criadas fossem testadas.

Como você construiu o personagem Paddy com James McAvoy?

Quando comecei a me aprofundar nisso com James, falamos muito sobre uma crise moderna de identidade, aquela sensação de privação de direitos que deixa as pessoas — principalmente os homens — abertas a maus mentores como Paddy, que rejeitam todas as regras, que rejeitam rótulos e educação em favor de alguma noção de “autenticidade”. Falamos sobre políticos demagogos e trouxemos referências clássicas , seja Iago de Shakespeare, Mefistófeles ou esses outros tipos de personagens manipuladores que irritam as pessoas. Eu queria que o público caísse um pouco no feitiço de Paddy da maneira que Ben e Louise fazem e mostrasse como é fácil para um homem “normal” como Ben — que tem fragilidades, mas não é de forma alguma um extremista ou excêntrico — bancar esse sonho e, assim, se tornar cúmplice da bagunça que ele cria.

E como foi sua colaboração com Scoot McNairy para dar vida a Ben?

Eu amo Scoot McNairy como ator. Aqui ele foi um bom esportista porque, de certa forma, Ben é o tipo de cara “beta” lutando consigo mesmo e muitos atores não querem necessariamente interpretar esse cara, mas com Scoot não há vaidade. Então, Ben nem sempre é o personagem mais simpático, mas ao mesmo tempo nós o entendemos e o fato de que é um homem que está um pouco perdido e não sabe mais qual é seu lugar no mundo. Eu acho que isso é bem identificável, e é algo que Scoot reconheceu. Pensei que isso ajudaria a fundamentar o filme e criaria uma tensão realmente interessante contra os aspectos performáticos do personagem de Paddy.

Como Louise Dalton, interpretada por Mackenzie Davis, se sente em relação a Paddy e Ciara?

Eu acho que Louise não está comprando eles da mesma forma que seu marido. Ela tem reservas, e ela está ciente de que esse cara está pressionando seus botões. Então, ela não tem exatamente o tipo de bromance que eu suponho que Ben tem com Paddy, e eu acredito que isso a irrita. Mas, ao mesmo tempo, ela está carregando um pouco de culpa sobre seu comportamento passado e pensando, “Ok, bem, vamos tentar”, contra seu melhor julgamento, talvez. Ela está suprimindo seus instintos que lhe dizem que algo não está certo aqui, constantemente tentando manter o contrato social e ser educada, até o ponto em que ela não consegue mais segurá-lo. Acho que Louise capta a energia de Paddy e suas microagressões e a sensação de que ele está brincando com ela de uma forma que Ben não necessariamente percebe de cara — ela está à frente do jogo. E Mackenzie Davis, que interpreta Louise, é alguém que sempre admirei. Ela é afiada e brilhante, e há uma inteligência única sobre ela que você vê na tela. Mackenzie foi tão perspicaz ao trabalhar comigo para desenvolver o personagem.

Aisling Franciosi também é excelente como a esposa de Paddy, Ciara.

Ciara é uma espécie de arma secreta de Paddy, e Aisling trouxe uma suavidade única para esse papel. Quando Paddy é um pouco masculino demais, ela o amolece. E então, eles são um time; mas ela pode ser perigosa também, se escondendo à vista de todos como essa pessoa calorosa e legal. Eu não queria que eles fossem apenas vilões, mas que tivessem essa sensação de que, quando o outro casal olhasse para eles, eles olhassem para algo que eles poderiam querer imitar. Então, há um calor genuíno entre Paddy e Ciara, assim como um amor codependente doentio. Há uma complexidade interessante em sua personagem, onde você não tem certeza se ela é cúmplice ou vítima, e isso era algo que eu queria explorar com Aisling, que era tão inteligente e atenciosa.

A casa da fazenda é quase outro personagem na história.

É definitivamente outro personagem. E um verdadeiro achado do nosso designer de produção James Price, que por meio de sua engenhosidade, nos permitiu filmar o interior e o exterior da fazenda no mesmo local, o que é incrivelmente raro. Sempre quisemos uma ambiguidade sobre a casa: ela é charmosa ou sinistra? É chique ou sombria? Essa ambiguidade começa quando o carro dos Dalton entra pela primeira vez: eu gostava de como as construções da fazenda formavam um pátio fechado em todos os quatro lados que dava a sensação quase de que você estava preso em um pátio de prisão ou em uma torre de castelo. Era bonito e aterrorizante, protetor e aprisionador. Por dentro, os cômodos estilo chalé podiam parecer rústicos e charmosos, como algo de ‘O Hobbit’. Mas igualmente o labirinto de cômodos pequenos, com suas vigas baixas no teto, criava uma sensação de confinamento e claustrofobia. Os detalhes da decoração do cenário mantinham essa dualidade: antiguidades e bugigangas que poderiam parecer colecionáveis ​​e atraentes; mas em alguns de seus detalhes, elementos perturbadores, como os azulejos holandeses de Delftware na cozinha com imagens de pessoas decapitadas ou penduradas em árvores, ou todas as pequenas estatuetas voltadas para longe do centro da sala em direção à parede, como se desviassem os olhos dos horrores da casa.

E o resultado é aprimorado pela experiência comunitária de assistir ao filme em um cinema, certo?

Sim, e não apenas devido ao tamanho da tela, mas por causa do público e desse ambiente coletivo também. Tudo é amplificado, pois o coletivo é maior que o individual e também sua experiência, e você vê isso em todos os grandes filmes. É quase como se houvesse um zumbido que percorre a sala com uma energia que você simplesmente não consegue ter em casa. E se há um filme que pode criar essa energia, então a energia se alimenta de si mesma, criando um ciclo de feedback. Se você assistir a ‘Não Fale o Mal’ no cinema, você terá duas horas de uma montanha-russa. Você terá tido uma experiência e se sentirá transportado — que é o que um filme deve fazer — é isso que eu acho que merece estar no cinema.

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“Não Fale o Mal” já está em exibição nos cinemas.

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